DANCE DAY | SAISON 2

Née en 1992 à Brazzaville au Congo, Vesna Mbelani est danseuse et chorégraphe. Elle commence sa carrière à l’âge de 13 ans et prend part à près de 50 événements jusqu’en 2021 comme interprète, danseuse, mais aussi chorégraphe et performeuse. Elle fonde sa propre compagnie, TELAM’Art, en 2019. En juillet 2021, elle arrive en France à l’occasion d’Africa2020 et participe au festival Génération A au théâtre Paris-Villette. Membre de l’atelier des artistes en exil, elle performe lors de son festival 4,3,2,1 en août 2021.

Vidéos : 
▶︎ https://www.instagram.com/p/ChiBRScDKuy/ 
▶︎ https://www.youtube.com/watch?v=6vnyODtbKh8 

Né en 1995 à Kharkov en Ukraine, Cleve Nitoumbi est danseur et chorégraphe. À l’âge de 10 ans, il commence les danses traditionnelles ukrainiennes, le classique et le contemporain, puis découvre le hip-hop, le dancehall et le street jazz. Il signe des performances, participe à des concours et festivals, donne des cours de danse urbaine. Victime de discrimination ethnique (ses parents sont d’origine congolaise), il quitte l’Ukraine en 2017 pour la France. Il danse pour Thierry Thieû Niang Va voir là-bas si j’y suis Kevin Kimbengui Non, je ne prendrais pas la Méditerranée et participe en tant que comédien au spectacle On comprend rien de Ariel Cypiel. Depuis 2019, il est chorégraphe et professeur de danse urbaine en France, il a notamment enseigné à la Dance School à Biarritz, au studio MRG à Ivry-sur-Seine, ou encore au Boogastyle Asso à Beaumont-sur-Oise. Il réalise des performances au musée Delacroix et au festival Clignancourt Danse sur les rails à Paris. Il est membre de l’atelier des artistes en exil.

▶︎ Extrait de Une partie de moi... une partie de toi  

▶︎ Extrait octobre 2019, Je passe 3

@Nina-FloreHERNANDEZ

Arthur Perole fonde la CompagnieF en 2010 pour y développer ses propres projets : implantée à l’origine à Mouans-Sartoux, elle est installée depuis 2017 à Marseille. 

Arthur Perole interroge les modes relationnels entre chorégraphe, danseur et public sur le principe du vivre ensemble et du rassemblement. Il invite le spectateur à partager une expérience jusqu’à l’inclure dans le processus chorégraphique, et lui offre les outils pour mieux appréhender la danse. Ainsi ont pris forme Stimmlos en 2014, Scarlett en 2015, Rock’n Chair en 2017, Ballroom en 2019, FOOL en 2018 (performance pour espace atypique), La BOUM BOOM BUM (une fête artistique), Nos corps vivants en 2021 (solo), RÊVES en 2022 (une série documentaire coréalisée avec Pascal Catheland).

Parallèlement à ses projets artistiques, il est interprète pour la chorégraphe Joanne Leigthon, Radhouane El Meddeb, Tatiana Julien et il collabore au théâtre avec Vincent Goethals, Wajdi Mouawad et Edith Amsellem.

Approche de l’atelier : 
Basé sur la création Nos Corps Vivants, Arthur Perole souhaite faire expérimenter différents états de corps au groupe. Dans Nos Corps Vivants, il déploie un corps qui se métamorphose en permanence. Par des états de corps empruntés à la vidéo (comme le morphing, le ralenti, le focus sur le visage…) Il passe d’histoires en histoires, d’émotions en émotions. C’est un corps onduleux et charnel qui évolue pendant 1h

L’atelier débute avec un échauffement au sol pour réveiller l’imaginaire, le relâchement du corps et l’apaisement de l’esprit. Le corps est ensuite mis en mouvement en utilisant la Gaga dance (technique d’improvisation inventée par Ohad Naharin pour la compagnie Batsheva), qui se base sur un mouvement continu, fluide, libre et qui connecte l’imaginaire et le corps.

Les participant.e.s entrent alors dans une transe douce, en mettant le corps dans une grande disponibilité qui permettra une plus grande liberté du geste sur la suite de l’atelier. Une fois le corps fluide et onduleux, les participants partiront dans des explorations de corps liées au spectacle.

Nos Corps Vivants

Cie-F

Instagram : cief-arthurperole

Après un parcours d’ interprète auprès du chorégraphe François Raffinot, Emmanuelle Vo-Dinh crée sa compagnie Sui generis, en 1997 au Havre. La compagnie s’implante dans les côtes d’Armor et devient compagnie associée à La Passerelle, scène nationale de Saint-Brieuc, puis à Rennes au Triangle, pour y déployer ses créations tout en initiant des projets d’invitation à d’autres artistes.

Emmanuelle Vo-Dinh est nommée en 2012 à la direction du Centre chorégraphique National du Havre qu’elle baptise Le Phare, et y déploie pendant une décennie un projet autour des écritures chorégraphiques contemporaines.

Depuis janvier 2022, elle mène le projet Pavillon-s, implanté à Rouen et à Andé, qui porte son travail de création/diffusion et s'attache à déployer des projets d'invitations à d'autres artistes, dans le champ de l'expérimentation, et dans le partage avec les publics.

Depuis la création de sa compagnie elle a chorégraphié plus d’une vingtaine de pièces, qui ont été jouées notamment au Théâtre de la Ville à Paris, au festival d’Avignon (69ème édition) et au Théâtre national de Chaillot, ainsi que dans différents pays et continents, en Europe, en Afrique, en Amérique du Nord, en Asie,… 

Emmanuelle Vo-Dinh a été présidente de l’Association des Centres chorégraphiques nationaux de 2013 à 2017.

Elle a été nommée Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres en 2014.

Présentation de la démarche de l’artiste : Cet atelier s’appuiera sur le processus d’élaboration d’un extrait de la pièce Cocagne (création 2018), qui travaille à la représentation de différents affects, ou de situations empruntées à l’observation du réel. Nous mettrons ainsi en jeu différentes émotions à travers un jeu de « selfies" chorégraphiques qui joueront avec le rythme pour composer une fresque vivante qui mêlera joie et tragédie !

▶︎ Extrait de Cocagne  

▶︎ Extrait Waveparty 

Danses rythmées et rythmes dansés

À mi-chemin entre la danse et la musique, la danse percussive est une forme d’expression dynamique et très actuelle qui emprunte à de nombreuses cultures rythmiques du monde, tout en les fusionnant. Avec le rythme comme trait d’union entre les formes artistiques, les étiquettes disparaissent pour laisser place à un univers où danse et musique se conjuguent. Les ateliers se baseront sur un travail de fusion des danses urbaines, jazz et contemporaines avec le travail de rythme et de son. Nous y transmettrons différents extraits de la création “à l’unisson”, dans laquelle nous faisons émerger une nouvelle matière chorégraphique basée sur le corps sonore et mouvant.

Des exercices de techniques diverses liées au mouvement, des phrases dansées et sonores en mouvement, un travail sur les appuis, le poids du corps, la recherche du mouvement comme source de rythme. Mesurer l’impact du mouvement sur le travail du rythme, approfondir la relation entre l’espace et les orientations, explorer les qualités d’écoute, la relation aux autres et la fluidité du mouvement. Des exercices de coordination et de perceptions tactiles qui permettent l’expérience du poids et de la suspension, de la résonance du geste, d’appuis solides pour une pratique des percussions corporelles ample, respirée et nuancée.

Après une formation en arts plastiques et en danse, Mickaël Phelippeau travaille en tant qu’interprète auprès de nombreux chorégraphes et de 2001 à 2008 au sein du Clubdes5, collectif de danseur.se.s-interprètes de 2001 à 2008. Depuis 2003, il axe principalement ses recherches autour de la démarche bi-portrait, prétexte à la rencontre. Entre 2008 et 2019, il crée ainsi les pièces chorégraphiques bi-portrait Jean-Yves, bi-portrait Yves C., Round Round Round, Numéro d’objet, Chorus, Sueños, enjoy the silence, Pour Ethan, Set-Up, Llámame Lola, Avec Anastasia, Membre fantôme, Jutyar, Footballeuses, Mit Daudi, 22, Mini Chorus, Soli, Lou, Ben & Luc, Juste Heddy, 22 castors front contre front et De Françoise à Alice.

Il mène en parallèle des projets transversaux tels que des expositions ou les Portraits fantômes dans des logements.

Depuis 2010, Mickaël Phelippeau est directeur artistique de la manifestation À DOMICILE à Guissény en Bretagne.

Il est artiste associé au Quartz - scène nationale de Brest (2011 - 2014), au théâtre de Brétigny - scène conventionnée (2012 - 2016), à L’échangeur - CDCN Hauts-de-France (2016 - 2018) ; en résidence au Théâtre Louis Aragon, scène conventionnée danse de Tremblay-en-France dans le cadre de «Territoire(s) de la danse» (2016) ; artiste complice du Merlan - scène nationale de Marseille (2016 - 2019) ; artiste compagnon au CCN de Caen en Normandie (2016 - 2019) ; en résidence à l’Espace 1789, scène conventionnée danse de Saint-Ouen, avec le soutien du Département de la Seine-Saint-Denis (2019 - 2020) ; membre du Grand Ensemble de la Scène nationale du Mans, Les Quinconces et L’Espal (2020-2023) ; l’un des artistes complices de La Filature - Scène nationale de Mulhouse (2020-2023) ; il est également invité par Format ou la création d'un territoire de danse en Ardèche dans le cadre des Résidences élastiques pour les saisons 2021/2022 et 2022/2023.

Vidéo : De Françoise à Alice - Extraits

Philippe Lebhar passe trois ans au sein de l’école privée de Madame Favre à Lyon avant d’intégrer le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon en 1995 d’où il sort diplômé en 1998.

Il commence sa carrière avec Andy Degroat, grâce à qui, il affine sa sensibilité autour du travail scénique. En parallèle, il rencontre Lena Josefsson avec laquelle il travaille au sein de Skånes Dansteater, en Suède, pendant près de 5 ans.

Il travaille par la suite avec différents chorégraphes, Vicente Saez, Filip Van Huffel, la Cie Linga, en Espagne, en Belgique et en Suisse.

À son retour en France, il intègre le CCN de Grenoble où il est interprète pour J-C. Gallotta, puis celui d’Aix-en-Provence auprès d’ A. Preljocaj. Par la suite, il collabore, entre autres, avec Philippe Jamet, Radhouane El Meddeb, Béatrice Massin, Mié Coquempot, Aurélien Richard, Johanna Levy, Joanne Leigthon, Gaëlle Bourges…

Il collabore aussi sur des formes plus performatives qui s’appuient sur la composition instantanée pour des projets in situ et de plateau, avec notamment Thierry Thieû Niang, Caroline Grojean, Katell Hartereau & Léonard Rainis…

Ces dernières années, il entame des colorations en tant qu’assistant pour Radhouane El Meddeb sur plusieurs pièces, pour un quatuor chorégraphié par Béatrice Massin, et plus récemment, avec Mickaël Phelippeau pour une création pour Angers Nantes Opéra.

Marine Colard

© Antoine Legond

Après une formation en danse contemporaine et au théâtre physique, Marine Colard travaille en tant qu'interprète aux côtés des chorégraphes Maxence Rey, Frank Micheletti et Nina Vallon, au théâtre elle joue et écrit pour la pièce Mon Petit Poney de Romain Blanchard et pour Époc de Frédéric Jessua.

Elle fonde la compagnie Petite Foule Production en 2017, basée en Bourgogne, et crée le spectacle Notre Faille en 2020 au Théâtre de Vanves questionnant notre famine temporelle collective avec des danseurs et des micro-ondes.

En parallèle, elle développe des projets territoriaux incluant différents publics comme Les Petites Foules dans le village de Quarré-Les-Tombes depuis octobre 2018 ou Choralangues avec un public d'apprenants en langue française. Commençant un cycle de recherche autour du mouvement et du langage, elle crée Le Tir Sacré en décembre 2021 au Théâtre de Vanves dans le cadre du Festival Danse Dense autour de la musicalité du commentaire sportif. Elle sera artiste associée au Théâtre d'Auxerre, scène conventionnée d'intérêt national pour les saisons 2023-2026.

Sylvain Ollivier

Sylvain Ollivier est tour à tour musicien, dj et danseur formé au Cndc d’Angers. Il a été membre du groupe Monogram, révélation électronique au festival de Bourges 2002, qui sortira un album éponyme la même année. Successivement, il rencontre le réalisateur Marc Faye et compose les BO des documentaires d’animation O’Galop puis Benjamin Rabier.

Il commence à travailler pour le spectacle vivant en tant que danseur et musicien-compositeur pour le collectif RK, dirigé par Anne-Sophie Tarnaud, qui crée entre 2011 et 2013 le triptyque « Garcia DIY », « Cheneau DIY » et « Richter DIY » : créations théâtre, danse, musique live et vidéo dont le point de départ est la parole d’un auteur contemporain. En 2014, le chorégraphe Nan Martin lui commande une musique pour sa première création : Mûo. Musique qui sera jouée en live et qui débute une série de collaborations avec le chorégraphe : Parcelles (2015), D’œil et d’Oubli (2017), «Seul(e) Les Oiseaux (2017).

Parallèlement il complète sa formation musicale à la synthèse sonore auprès du CIFAP et compose les musiques pour trois documentaires radio de Franck Thoraval (France Culture). Il travaille actuellement comme musicien-live et/ou danseur avec les chorégraphes Marine Colard (Notre Faille, Le Tir Sacré), Christina Towle (Bounce Back), Pauline Tremblay (One Two One Two), Fernando Cabral (MATTER).

Approche de l’atelier : Les ateliers s'appuieront sur le processus de création de la pièce Le Tir Sacré, une recherche dansée à partir d'une gestuelle issue d'une bibliothèque de postures sportives. Nous mettrons en jeu et en relation la posture d'excellence et de performance du sportif, ses victoires et ses défaites et d'autre part, le commentaire sportif et son exubérance. À l'aide d'une bibliothèque de postures physiques issues de différents sports nous questionnerons les aspects performatifs et spectaculaires de la pratique sportive. La décomposition chronologique des phrases d'un mouvement nous accompagnera dans cette recherche.

Vidéos : Teaser Le Tir Sacré, Teaser Notre Faille, Le Petit Bal 

Lui est danseur electro, vice-champion du monde de la discipline, Brandon Masele.
Elle est danseuse hip-hop, Laura Defretin.

Iels sont plus connu·e·s dans le monde des battles sous les pseudonymes Miel et Nala. Iels écumaient les scènes chacun·e de leur côté, travaillant respectivement aussi bien avec Christine and the Queens qu’avec Stromae ou encore Angele jusqu’à cette rencontre fortuite dans un studio de danse autour d’un show de quelques minutes.

Coup de foudre !

Leur rencontre a eu l’effet catalyseur de vouloir mettre en commun un bout de leur histoire entre culture Électro et Hip Hop. Duo d’une extrême sensibilité iels dansent une relation fusionnelle, symbiotique, bouleversée par l’envie de se redécouvrir à travers la danse

La création de leur compagnie en 2018 est la suite logique de cette rencontre fusionnelle.

À ce jour, la Compagnie Mazelfreten compte à son actif trois créations, Untitled (2016), Perception (2020), Rave Lucid (2022). Ces spectacles sont présentés dans de nombreuses villes de France et d'Europe.

En parallèle, ils œuvrent pour leurs communautés à travers la mise en place de nombreux événements tout public et actions culturelles à destination de la nouvelle génération.

Approche de l’atelier :
Découverte de l'univers de la compagnie à travers l'apprentissage d'un tableau du spectacle Rave Lucid.

▶︎ Site web 

▶︎ YouTube 

Né en 1982 à Brazzaville au Congo, Daouda Nganga est animé par la danse depuis son plus jeune âge. Il se forme à l’afro-tradi contemporaine auprès de Chrysogone Diangouaya et de Serge Bissadissi. Son passage par le Benin, le Burkina Faso, le Mali et le Sénégal suscite des rencontres artistiques, avec notamment Martha Zepietowska (Siddhartha). Avec la danseuse Mbarou Ndiaye il fonde la compagnie Sara, dont la création Symbiose est présentée à l’Institut français de Dakar et à Afrik’A’wa à Paris. En France depuis 2016, il anime de nombreux ateliers et travaille avec Thierry Thieû Niang sur Va-voir là-bas si j’y suis, et auprès de Judith Depaule sur Disparu·e·s.  Il crée le solo Corps en transe, accompagné par le Centre Chorégraphique de Nantes et la Dynamo de Banlieues Bleues. Il se produit lors de Balades extraordinaires en pleine nature à l’invitation de Blaise Merlin. Il est membre de l’atelier des artistes en exil.

Présentation de l’approche de l’artiste : Daouda Nganga, ou Sam7 de son nom d’artiste, cherche inexorablement un état de corps « transporté », en communion avec le cosmos. Il offre ainsi à son esprit de se détacher pour échapper aux limites du monde d’ici-bas. Il emprunte les traditions spirituelles de dialogue avec les esprits et les ancêtres des royaumes kongo et mandingue, élabore au gré de ses rencontres en Afrique et en France une gestuelle résolument contemporaine, pour une signature unique. Par sa danse et son invitation à la transcendance, Sam7 cherche à réconcilier son auditoire, à le libérer du poids de ses peurs et de ses angoisses, pour l’élever jusqu’à un état de conscience jubilatoire où, enfin relié à l’univers, il peut accéder à une exaltation existentielle.

▶︎ Portrait d'artiste

© DR

C’est un lien fusionnel avec le sol et un besoin d’expression pur qui cohabitent en Chris.
Une sensibilité aigüe, une qualité spongieuse et une apparence féline.
Sa pratique du break comme encrage et un amour du mouvement au sens large.
Depuis 2019 elle est interprète pour divers chorégraphes issus de la culture Hip Hop tels que Saïdo Lehlouh, Carmel Loanga, Sandrine Lescourant, Valentine Nagata-Ramos et tout récemment en reprise de rôle dans One Shot d’Ousmane « Baba » Sy.
Chris visite les techniques et les énergies. En constante introspection elle sculpte son univers et souhaite le partager.

Approche de l’atelier :

Comment est-ce que mon corps peut paraitre autre chose ? Devenir un outil, un vecteur ?
La recherche d’une physicalité fluide, intense et déroutante.
Nous nous éloignerons de l’esthétisme pur et nous concentrerons sur la conscience du mouvement, l’écoute de l’autre.

LIENS :
• Insta : @chrisfargeot

@ DR

Parallèlement à son activité de danseur avec notamment Catherine Diverrès, Boris Charmatz et Olivier Dubois, Thierry Micouin développe depuis 2006 un travail plus personnel au sein de sa Cie T.M Project.

Depuis 2013 il collabore avec la créatrice sonore Pauline Boyer. Ils créent Double Jack en 2014, Synapse en 2015 et Backline en 2017. Ils remportent l’appel à projet Corps, espaces sensibles avec le projet Faille, créé au centre d’art Domaine de Kerguéhennec en 2018. En 2019 Thierry Micouin crée la pièce Eighteen avec sa fille Ilana à la Ménagerie de Verre à Paris. En 2021, Thierry Micouin et Pauline Boyer créent Visages d’un Pays, projet participatif sur le territoire du Centre Ouest Bretagne en collaboration avec le Centre Pompidou. Depuis ils ont créé Jour futur en 2022 et préparent une nouvelle pièce Lutte.s avec une première version solo pour juin 2023.

Par ailleurs Thierry Micouin mène de nombreux ateliers à destination de tous les publics. Il développe une pédagogie sensible et rigoureuse. Son enseignement explore les différents fondamentaux de la danse contemporaine, développe la conscience corporelle, la poétique de chacun et surtout, permet à chaque participant d'être auteur de leurs gestes par l'expérience de la création.
 
Approche de l’atelier :
L’atelier débutera par un travail au sol avant de développer des notions de poids, d’appui et d’énergie. Les différentes qualités de mouvement et de rythme seront ensuite abordées à travers plusieurs enchaînements chorégraphiques. En stimulant le sens kinesthésique, le centre, l'ancrage au sol et la disponibilité, un climat propice à l’apprentissage sera créé.
L'atelier proposera ensuite aux participants de traverser les différents processus de composition des pièces du répertoire de la Compagnie : Faille, Eighteen, Jour futur.

LIENS :
Teaser Luttes
Teaser Jour futur

Insta Thierry Micouin : @Thierry_Micouin
Insta TM Project : @t_m_project

Retrouvez les chorégraphes qui ont rythmé la saison 1 ici !